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Onzième texte des "Préfaces et Manifestes", dédiés à la mémoire de Félix Passeronne, qui a enseigné à Pierre Henry l'art des percussions au Conservatoire national de Paris.

Premier texte des "Préfaces et Manifestes", dédiés à la mémoire de Félix Passeronne, qui a enseigné à Pierre Henry l'art des percussions au Conservatoire national de Paris.

Traduction de l'article au sujet du concert de Pierre Henry le 25 janvier 2008 dans le cadre du festival CTM (Club Transmediale Festivale) à la Volksbühne à Berlin.

Texte inclus à l'intérieur de la pochette du LP Le microphone bien tempéré

Texte inclus sur la pochette du LP Messe de Liverpool

« Il y a des titres qui ne pardonnent pas. Trouvés sous un prétexte futile, par dissimulation d’auteur, ils ne cesseront plus, la vie durant, de lui jeter sa vérité à la figure.
L’auteur, alors, pour tromper l’ennemi, fuir sa vengeance, se dédouble. L’un s’enferme, se concentre, en rajoute. L’autre s’enfuit, se disperse, donne le change. Le jeu, pourtant, en valait la chandelle, dans le disparate des règles, dans la confusion des valeurs : donne-moi ton piano, je te prêterai mes haut-parleurs. A la douane des conventions pourtant tenaces il y a vingt-cinq ans, s’étaient rencontrés deux complices, pour le troc des savoirs dérisoires, des traditions trahies : Messiaen contre Marconi, Danhauser contre Flechter, la Musique contre l’Acoustique. Le tout échangé à la dérobade, dans un remords mal défini, peu partagé : pour l’un l’effroi, pour l’autre, la revanche. Pour tous deux, l’aveu secret de l’irréparable.
Que d’autres se gobergent : suiveurs en mal de computeurs, faux prédécesseurs, en panne de série. Que ceux-là bidulent les tristes festivals de leur admiration mutuelle. La même solitude, parfois innombrable, hante l’éternel refrain de notre amour-haine, de notre fatale passion de poursuivre diversement, mêmement, l’aventure incertaine que domine l’immense sottise contemporaine. Nous l’aperçûmes ensemble, et pour la première fois, dans l’inquiétant miroir du tourne-disque, où se recomposaient déjà ses déchets, malheureusement indestructibles. Nous pûmes lire notre destin dans la moire du disque vierge, comme d’autres dans le marc de café. »
Pierre Schaeffer à Pierre Henry

Texte sur le verso de la pochette du LP Voile d’Orphée I et II / Entité / Spirale

Œuvre bouillonnante et inspirée d’un compositeur de vingt-six ans, Le Voile d’Orphée se fit d’abord connaître comme le final du ballet Orphée de Béjart, puis s’imposa comme une musique à part entière. Dans la musique électroacoustique, elle représente la première œuvre de caractère orchestral, avec dans les durées et les masses sonores une ampleur jusqu’alors inconnue, et aussi une générosité d’inspiration poussant l’auteur à abandonner toute retenue pour libérer ses démons intérieurs : étirement extrême et presque douloureux de la durée, cris éperdus lances à la face d’un Zeus qui se tait, jubilation du fracas et de la catastrophe.

A l'origine Astrodanse est composée pour la bande son du film Astronomy [1969]. Elle en est ensuite détachée et connait un destin autonome.

Déserts est l'une des toutes premières œuvres de musique mixte pour orchestre et bande magnétique. L'oeuvre composée par Edgar Varèse dure environ 25'; la partition est écrite pour instruments à vent, percussions, piano et dispositif électro-acoustique. Le compositeur organise des interpolations de sons organisés, qui interviennent à trois reprises et alternent avec les instruments traditionnels. Les bruits primitifs des interpolations avaient été enregistrés à Philadelphie avec des moyens précaires, essentiellement des bruits urbains ou d'usines. Invité au Studio d’essai pour retravailler les bandes des Interpolations, Varèse y travaille avec Pierre Henry.

Il faut détruire la musique. Elle ne correspond plus à rien pour nous dans la mesure où elle doit être HARMONIE DES SPHÈRES. Dans la mesure où le sacré s’est transporté de l’Absolu jusque dans la vie elle-même, la musique doit se transporter de la sphère de l’art (musicalement parlant) dans le domaine de l’angoisse sacrée.

Si les conventions musicales, l’harmonie, la composition, les règles, les nombres, le côté mathématique et les formes avaient un sens par rapport à un Absolu, aujourd’hui la musique ne peut en avoir que par rapport aux cris, au rire, au sexe, à la mort. Tout ce qui nous met en communication avec le cosmique, c’est-à-dire avec la matière vivante des mondes en feu. Il faut prendre immédiatement une direction qui mène à l’organique pur. A ce point de vue, la musique a été beaucoup moins loin que la poésie ou la peinture. Elle n’a pas encore osé se détruire elle-même pour vivre. Pour vivre plus fort comme le fait tout phénomène vraiment vivant. Cela ne veut pas dire : écarter toute règle, toute rigueur ou toute forme, mais pas d’autres règles que celles visant à l’efficacité. Je crois que l’appareil enregistreur est actuellement le meilleur instrument du compositeur qui veut réellement créer par l’oreille et pour l’oreille. Si nous voulons lutter contre la mécanique, il faut employer des méthodes mécaniques, ainsi la machine se retournera contre elle-même. Un son enregistré est instantanément détruit en tant que machine.
Le Mythe du Moderne n’existe plus. Les bruits seront supprimés. Ils deviendront désincarnés, désignifiés et comme sacralisés.
Alors ce sera peut-être la musique concrète, la musique du VIVANT et du SOLEIL.