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Drame chorégraphique en deux actes et huit tableaux sur un argument de Maurice Béjart lu et diffusé en direct. Marqué par l'écoute du Voile d’Orphée, quelques années plus tôt au GRMC, Maurice Béjart demande à Pierre Henry de composer une musique originale de 1h30 destinée à ce ballet. Orphée fut programmée dans des tournées internationales jusqu'en 1964.

Cette pièce a été créée à partir de juxtapositions et de montages d’extraits d’œuvres existantes de Pierre Henry sous le thème fédérateur de la fête, un travail prémonitoire de Parcours-Cosmogonie [1976].

Cette pièce fait partie de la série radiophonique Le Microphone bien tempéré [1950-1951]. À partir de 4 percussions de tambour, élément sonore initial, Pierre Henry crée des sonorités filées, modelées sur un graveur à vitesse variable. Soutenues, elles s’épanouissent en panaches dans un espace sonore où il les projette en relief. C’est aussi la première fois que Maurice Béjart chorégraphie et danse sur une musique de Pierre Henry, le 12 mai 1955, salle Iéna à Paris.

Première œuvre composée après la séparation d'avec Pierre Schaeffer et le GRMC de la RTF.

Cette œuvre est issue d’une commande de Maurice Béjart pour un ballet écrit sur l’argument de Pierre Rhallys, où la musique de Pierre Henry complète des séquences instrumentales composées par Marius Constant. Pierre Henry rassemble ensuite sa musique dans des versions de concert et discographiques. Le titre de l’œuvre fait référence au livret : sur fond de magie noire, un jeune homme électrocute accidentellement la femme qu’il aime, puis meurt de désespoir après s’être vengé de la magicienne ayant causé l’accident. Composées en janvier 1956, les continuités musicales de Pierre Henry mêlent pour la première fois des sons acoustiques et électroniques dans une œuvre fixée sur bande magnétique. Les sons électroniques sont créés sans oscillateurs ni générateurs, mais en détournant l’usage de micros contacts par des processus de feed-back. Dans cette œuvre, les sons font l’objet d’un travail d’orchestration important : s’articulent en de courtes séquences des sons instrumentaux (orgue, orchestre, piano préparé) et des captations de foules, de voix, mêlés à des sons électroniques.

Le Voyage a été composé pour le ballet éponyme de Maurice Béjart. Inspiré du Livre des morts tibétain, son argument a été élaboré par Maurice Béjart et Pierre Henry, qui ont également conçu ensemble la scénographie, choisi les décors et les costumes, ainsi que les projections créées par Thierry Vincens. Pendant que le ballet tournait en France et à l’étranger, Pierre Henry donnait en concert cette œuvre qui a exercé une grande influence dans le monde du rock. L’argument du Voyage retrace en 7 parties le parcours de l’être humain qui, après la mort, le conduit à la réincarnation.

Présentée dans ses programmes de concert comme un rituel féérique en 7 journées et 20 tableaux d’après le récit alchimique de Johann Valentin Andreæ, cette œuvre est un spectacle total combinant musique, chorégraphie et effets multimédias (laser, projections visuelles).

Inspirée par l’un des Petits Poèmes en prose de Charles Baudelaire, cette œuvre est un mélange de nombreuses séquences préenregistrées, composées spécialement, et de sons électroniques produits en direct par Bernard Bonnier. Elle a été créée lors de deux concerts spontanés, improvisés et dansés par Carolyn Carlson et sa troupe.

Avec la composition de Ceremony, Pierre Henry dépasse les clivages des genres musicaux en introduisant ses sons dans une œuvre rock destinée au grand public : le LP qui paraît dans la foulée des séances d’enregistrement est un succès commercial.

Voyage au cœur d’un enfant est une adaptation du Concerto des ambiguïtés [1950] pour un ballet de Maurice Béjart. L’argument transpose le mythe d’Œdipe : un enfant se dédouble en rêve et son âme s’incarne en sauterelle. Témoin d’une scène d’amour entre ses parents, son âme sauterelle tue son père pour séduire sa mère. À son réveil l’enfant ne voit plus ses parents de la même manière.

Dédié à Maurice Béjart, Mouvement-Rythme-Étude illustre le quotidien d’un danseur en prise avec les rituels corporels, les exercices, les figures, les gestes et les difficultés. Cette œuvre sera adaptée pour l’un des plus ambitieux ballets du chorégraphe sous le titre Nijinsky, clown de Dieu [1971].